Reseña de McGuffin contra los Alienigenas Ancestrales de Sergi Álarez

 ¿Qué es un McGuffin? Se trata de un recurso narrativo que activa la trama de una historia, aunque su relevancia no radica en sí mismo. Funciona como un elemento de intriga que puede manifestarse como una persona, un objeto o un acontecimiento. En 1939, Hitchcock expresó sobre el macguffin: "En relatos con villanos, suele ser un collar, y en relatos de espionaje, son los documentos".  ¿Qué sucede cuando este recurso cae en las manos de Sergi Álvarez? Se transforma en una pareja de detectives que desentraña misterios paranormales, y su papel se vuelve más crucial a medida que avanza la narrativa. Ellos son Leonard y Gloria McGuffin; él es un firme creyente en ovnis y teorías conspirativas, mientras que ella es una mujer dulce, escéptica y excelente en competencias de pulsos.

El catalizador en esta nueva novela de Álvarez es un antiguo interés amoroso de Gloria, el famoso Ulrich Draniken, conocido presentador del programa Los Ancestros de las Estrellas, quien los invita a un viaje. Draniken les menciona que en un remoto lugar de Freedony han aparecido extraños círculos en los campos de trigo y luces enigmáticas, sugiriendo una posible llegada de extraterrestres. En ese preciso momento, Leonard McGuffin se disponía a leer otra novela de Sheckly Homes titulada “El caniche de Basketville”, disfrutando de un buen vaso de whisky, pero la mera mención de Draniken lo saca de su tranquilidad y así, Gloria y Leonard comienzan su odisea a regañadientes. Esto marca solo el inicio de un relato delirante lleno de humor y muchas referencias a archivos X, extraterrestres ancestrales, más influencias del cine de Edgar Wright, como Shaun of the Dead y Hot Fuzz.

Conocía el trabajo de Sergi Álvarez a través de la editorial Vestigio, gracias a Alan Smithee No Salvo el Mundo, cuyo nombre no es casual, ya que hace referencia a un seudónimo utilizado para eludir la responsabilidad por una mala película.  Esta novela gira en torno a un escritor de poca monta con un humor mordaz y una personalidad ácida que se enfrenta al apocalipsis en una sala de cine. En la sinopsis se puede leer: “Esta es la historia del fin del mundo contada por el mismo Smithee. Sin mentiras ni omisiones. La verdad sin tapujos. Además de ser un escritor pulp de éxito cuestionable, es del tipo que suele pronunciar frases como: ‘No soy racista, pero…’ o ‘No soy machista, pero…’.  Mezquino, cobarde y obsesionado con teorías de conspiración, se verá envuelto con mafias dedicadas al tráfico de criaturas fantásticas y agencias gubernamentales secretas. Experimentará persecuciones alocadas, secuestros, jugadas sucias, tiroteos y explosiones. Descubrirá que los monstruos son reales y adquirirá un adorable perrito a un precio excepcional. ” En resumen.

Regresando al tema central, los McGuffin arriban a la tranquila localidad rural de Fredony, donde se cruzan con varios personajes pintorescos, como el comisario Astra, Costello, el agricultor, y Loup Garou, el prestamista que también es el dueño del bar llamado El Lobo Aullador.  Este último está locamente enamorado de Calamity Cheescake, quien es la propietaria del Sirius, la taberna más apreciada de Freedony. Juntos, estos personajes aportan un toque vibrante y provocativo a cada etapa de este singular misterio que sin duda se ríe de las teorías acerca de los Antiguos Astronautas. La prosa de Sergi Alvarez está impregnada de sátira y humor negro, y como afirma Gloria McGuffin, transforma la narrativa y teje una intrigante trama policial que seguramente te hará reír en cada una de sus páginas. Esta obra es una impresionante recomendación para aquellos que disfrutan del misterio y la parodia.

Sergi Álvarez nació en 1975, en Suiza, en pleno mes de febrero. Decidió hacerlo en San Valentín porque es un romántico.Como guionista de cómic ha publicado las novelas gráficas Bajo la piel, Cuentas pendientes(Astiberri), historias cortas en antologías como BCN Noire (Norma) y varios cómics books. Espíritu aventurero, ha sido deshollinador, asesino de saldo, crupier en Montecarlo y es campeón imbatido de lucha en tatami jaula en su comunidad de vecinos.Vive en l’Hospitalet de Llobregat, junto a su chica y sus gatos. Si le invitas a una copa se hace el remolón, pero se la bebe.

Ha escrito las novelas cortas McGuffin contra el defecador del hoyo ocho (Orciny Press) y El silenciador(El Transbordador). Orciny Press ha publicado sus novelas: Nunca digas vodka, nunca jamás, Alan Smithee no salvó el mundo Gastronomía pangaláctica para gourmets, McGuffin contra los alienígenas ancestrales. Escribe relatos sin parar y de vez en cuando vende alguno.

Editotial 149: Nosferatu de Eggers, Una relectura que mantiene su aterrador tono expresionista

 

Entre la adaptación literaria de Drácula, escrita por Bram Stoker, y la icónica interpretación del personaje a cargo de Bela Lugosi – quien tristemente asumió su rol de manera permanente – se encuentra Nosferatu, una película muda estrenada en 1922 y dirigida por F. W. Murnau, que se inscribe dentro del movimiento artístico conocido como Expresionismo Alemán. Esta obra del cine presenta a un peculiar conde de Europa del Este, llamado Orlok, cuya existencia se ve marcada por una obsesión por un amor no correspondido. Es bien sabido que esta película es una versión no autorizada de la novela de Stoker, lo que generó descontento en el círculo familiar del autor, especialmente en su viuda, quien demandó a los productores y pidió que se destruyeran todas las copias. Sin embargo, un aviso: no todas fueron destruidas. Gracias a las reproducciones que sobrevivieron, su impacto perdura, enriqueciendo la figura del vampiro a través de la inolvidable actuación de Max Schreck, la cual sirvió de inspiración para la película La Sombra del Vampiro (2001), dirigida por E. Elías Merhige, en la que Willem Defoe interpreta a un inquietante Max Schreck que resulta ser un vampiro real.

Este año, en enero, se presenta una nueva versión de Nosferatu, dirigida por Robert Eggers, un cineasta profundamente conectado emocionalmente con la obra original de Murnau, lo que le permite crear un ambiente inquietante y escalofriante que recuerda la Alemania del siglo XIX. Eggers no copia la película, sino que reinterpreta la historia de un hombre y un vampiro que provoca el caos, aplicando su estilo distintivo en el género del horror. El resultado es una obra que, aunque elegante, no se siente forzada; es intensa pero no sobrecargada de detalles, logrando evocar una atmósfera de folklore antiguo. Aunque quizás no se esperaba una nueva adaptación de este clásico casi perfecto, no podríamos haber elegido a un mejor artista para ofrecer a esta generación gótica una nueva pesadilla.

La narrativa esencial se mantiene: Alemania, 1838. El agente inmobiliario Thomas Hutter (Nicholas Hoult) recibe un nuevo encargo de su empresa: un noble que reside en un remoto castillo en los Cárpatos desea adquirir una vivienda en un puerto local. Dado que el noble no puede viajar por su grave estado de salud – “está a un paso de la tumba”, menciona su jefe (Simon McBurney) – Hutter debe ir en su lugar. La esposa de Hutter, Ellen (Lily-Rose Depp), siente un mal presentimiento sobre este viaje y también sufre episodios que podrían estar relacionados con un espíritu que, según rumores, ella habría invocado hace años. Afortunadamente, su hermano Friedrich (Aaron Taylor-Johnson) y su esposa (Emma Corrin) se comprometen a velar por ella durante la ausencia de su marido.

No obstante, al igual que en The Witch (2015), The Lighthouse (2019) y The Northman (2021), Eggers emplea esta fascinación para enriquecer la atmósfera de su obra. Esta nueva versión del relato antiguo que trata sobre el mal que atraviesa los océanos está impregnada de una intensa atmósfera, aunque a veces uno podría preguntarse qué es lo que realmente el director quiere comunicar.  Un personaje plantea la interrogante: “¿El mal surge de nosotros mismos o proviene de fuerzas externas?”.  Aunque la película no brinda una contestación clara, la figura esquelética y amenazante que acecha a sus presas como un murciélago desprovisto de alas parece insinuar lo segundo. Skarsgård ofrece una actuación que evoca al Orlok de Schreck sin replicarlo de forma exacta, y la incorporación de un bigote al estilo de Vlad el Empalador hace que su aspecto sea aún más distintivo.

Psicovisiones y otras formas de evadir el capitalismo de la vigilancia: una reseña de DumDum, estudio de grabación de Justo Navarro (2024)

 Durante mi visita a la feria de publicaciones Revuelta Gráfica, organizada por el FCE en el Centro Cultural García Márquez, aproveché la oportunidad y explorar la sección de ciencia ficción y descubrí una obra intrigante: DumDum, estudio de grabación. Esta publicación de Anagrama, lanzada en 2024, presenta una cubierta que se destaca como una inusual excepción dentro de su línea editorial, con una textura líquida que evoca las lámparas con globos flotantes típicas de la década de 1960, y el título actúa como una especie de máscara que revela su colorido. Al revisar la contraportada, me encontré con una serie de etiquetas muy atractivas: música, Cyberpunk, noir y psicovisiones.

Una parte del texto menciona: ¿Quién es el responsable detrás del espíritu o sustancia que otorga invisibilidad, y que ha provocado tantos apagamientos voluntarios, es decir, suicidios? Esta es la investigación que realiza la agente Santos Ololquiaga, que trabaja en el Departamento de Armonización e Higienización de UniComplex, un ente que ejerce dominio sobre el mundo mediante neurochips que prometen bienestar y salud, aunque en realidad se centran en la localización, vigilancia y control sanitario-policial. El autor de esta narrativa es Justo Navarro, nacido en Granada, España, en 1953, quien obtuvo su licenciatura en Filología Románica en 1975. Conocido por su vinculación a la poesía contemporánea española, ha publicado tres libros de poesía y varias novelas, además de colaborar ocasionalmente con periódicos como El País y traducir obras de autores como Paul Auster, Jorge Luis Borges, T. S. Eliot, F. Scott Fitzgerald, Pere Gimferrer, Michael Ondaatje, Joan Perucho, Ben Rice y Virginia Woolf.

¿Qué temática aborda la novela? Más que su contenido, se centra en sus personajes, destacándose Antonio Vigo, un hombre que dirige, de manera legal, el Kontakte Dance Club en la calle Cárcel Baja, un lugar donde se puede bailar y disfrutar de música en vivo (aunque los músicos se encuentren en Hungría y Alemania).  A su vez, mantiene el Dum-Dum, un estudio-laboratorio destinado a la grabación y remezcla de psicovisiones —es decir, visiones mentales, ensoñaciones y alucinaciones sonovisuales que pueden compartirse y comercializarse. Sin embargo, de manera ilegal, se dedica a la venta de dispositivos que evitan la vigilancia y que otorgan momentáneamente invisibilidad a los ciudadanos que los emplean.

No obstante, muchos de aquellos que buscan esta invisibilidad acaban eligiendo apagarse por su cuenta (la palabra suicidio está prohibida).  Aquí es donde entra en escena la policía, o algo similar, del servicio de Armonización e Higienización, Santos Ololquiaga, quien no solo intentará esclarecer las responsabilidades de Vigo y sus cómplices (la farmacéutica Ruth Rull y el pianista Voight/Stein) en esos incidentes fatales, sino que también descubrirá las luchas de poder y sus repercusiones dentro de UniComplex, la entidad encargada del control y bienestar de los individuos.

DumDum, estudio de grabación se presenta como una historia distópica que remite a las obras de autores como Ray Bradbury, Philip K. Dick, William Gibson y George Orwell, e incorpora conceptos de obras como La era del capitalismo de vigilancia.

En ‘DumDum, estudio de grabación’, Justo Navarro reflexiona, de manera no alarmista, sobre cómo ciertas prácticas de control han comenzado a establecerse, evidenciando que son consideradas necesarias y beneficiosas por aquellos que pueblan el planeta.  Tal vez se cometa un error al referirse a ellos como ciudadanos, (como es el caso de la inserción del bioPhone en el cuerpo o de los dispositivos de limpieza que vigilan cada rincón del hogar, por ejemplo).

Asimismo, ‘DumDum, estudio de grabación’ le proporciona a Navarro la oportunidad de mofarse de los numerosos músicos que, especialmente en el ámbito de la música electrónica, utilizan una variedad de seudónimos para llevar a cabo sus múltiples iniciativas.

Justo Navarro no es un profeta, aunque gran parte de lo que describe ya se encuentra presente en nuestra realidad.  Todo esto, por supuesto, se ejecuta con la intención de garantizar el bienestar de las personas, ya que este control se establece con el objetivo de conseguir la felicidad colectiva.  Toda una distopia lisérgica en la que la escritura se presenta como una alucinación que luego se decodifica y aclara en el testimonio de la agente Ololquiaga, quien nos confirma los desvaríos de Vigo y luego se contrastan con los de el pienita Stein; esto me recordó también a la trilogía Nova de Burroughs y su experimentación del lenguaje.

Muy recomendada para quienes gustan de los experimentos de escritura y que hayan disfrutado películas como Días Extraños (Catherine Bigelow, 1995) y con la trilogía del Sprawl de William Gibson.

¿Hombres murcielago y programas de clonación humana?: Mickey 17(2025) de Bong Joon-Ho

 

¿Es posible que los actores que han interpretado a Batman puedan ser considerados para programas de clonación humana? Este planteamiento me recuerda a una película que vi en mi juventud: Multiplicity (Mis otros yo, 1996) dirigida por el difunto Harold Ramis. En este film, Michael Keaton, conocido como el Batman de Burton, da vida a Doug Kinney, un trabajador de la construcción en Los Ángeles que no logra dedicar tiempo a su familia. Durante un proyecto de renovación de un centro científico, Doug se encuentra con el Dr. Leeds, un científico que ha creado un método para clonar humanos. Al enterarse de la situación de Doug, el Dr. Leeds decide clonarlo, de modo que el clon pueda asumir sus responsabilidades laborales, permitiendo al original disfrutar de más tiempo con sus seres queridos. Al realizar la clonación, se transfieren los recuerdos de Doug, aunque esto intensifica su masculinidad de manera exagerada.

Menciono esta película a raíz del reciente estreno de Mickey 17, una comedia negra dirigida por el surcoreano Bong Joon-Ho, que se basa en la novela de Edward Ashton, "Mickey 7" (2022). A diferencia de Multiplicity, que se enmarca en una búsqueda de tiempo durante una era de capitalismo tardío, aquí se presenta a Robert Pattinson, el Batman de Reeves, interpretando a Mickey Barnes, un individuo que no tiene nada que perder y se inscribe en un trabajo donde es considerado prescindible.  Este trabajo implica enfrentar tareas peligrosas que lo llevan a la muerte, tras lo cual es clonado con sus recuerdos intactos y regresa a sus obligaciones sin ningún tipo de cuestionamiento.

Mickey 17 ofrece, sin duda, una crítica mordaz del capitalismo y la explotación laboral, todo ello en un contexto de ciencia ficción. Al igual que en Snowpiercer, esta película explora la estratificación social y las dinámicas de poder, esta vez mediante la figura de los trabajadores desechables y la arrogancia de la élite en el poder. En el elenco, Mark Ruffalo representa a un personaje que recuerda a una mezcla entre Elon Musk y Donald Trump, en la forma de Kenneth Marshall, un político fracasado, narcisista y con tendencias fascistas que busca imponer su voluntad y conquistar nuevos territorios. Toni Collette interpreta a Ylfa, la esposa tan cruel como Marshall, y Naomi Ackie se presenta como Nasha Adjaya, la pareja de todos los Mickeys.

Bong Joon-Ho logra hilar una narrativa que abarca desde ajustes de cuentas con criminales hasta complots políticos, abusos en el ámbito científico y rivalidades entre empresas, todo mientras examina el comportamiento humano ante el dilema moral y ético de superar la muerte.  Este dilema existencial lleva a Mickey a cuestionarse qué significa morir repetidamente en un mundo que castiga la diversidad. El director profundiza en estas cuestiones sociopolíticas y reflexiones ontológicas, con la actuación enigmática y melancólica de Pattinson, quien añade una carga emocional que convierte la historia en algo más profundo que una simple sátira futurista.

Para los aficionados a la filmografía de Bong Joon-Ho, Mickey 17 no alcanza el nivel de The Host, Memories of a Murder o Parasite. Sin embargo, se trata de una obra cautivadora que fusiona la sátira social con elementos absurdos relacionados con la clonación en un marco distópico. Aunque no sea su mejor trabajo, presenta una propuesta visualmente impactante y una narrativa estimulante, consolidando así su posición como un cineasta audaz y humanista del cine actual.

Editotial 148: Un paseo por la METROPOLIS de Lang

 

Diseño del artista Boris Bilinsky 1927

Un aullido ensordecedor penetra en la trémula rutina de la gran Metrópolis. Es el Anuncio para el cambio de turno, la gran máquina, el musculo, no puede parar y requiere sangre nueva. Los obreros siguen la orden con la sumisión propia de los de su clase – eso es lo que les han hecho creer – para que el orden sea perfecto y la producción no se detenga. En la superficie la clase dirigente se divierte bailando y bebiendo en exceso, nadie sospechaba lo que estaba a punto de ocurrir, una visita inesperada de los habitantes del subsuelo. Las puertas del gran ascensor se abren para revelar a un grupo de niños y a su guía María, una bella mujer de clase obrera que llama la atención de uno de los dirigentes se trata de Freder, el hijo del calculador y frio amo de metrópolis Joh Fredersen. Este flechazo entre el hijo del dirigente y la mujer será el detonante que cambiará el porvenir de la inhumana maquina urbanística.

Rotwang contempla su creacion: Futura

Al enterarse de este vínculo, Fredersen contacta con el científico Rotwang, un alquimista visionario, que ha creado un ingenio que puede cambiar el curso de los acontecimientos. Se trata de Futura, un androide (o replicante) hecha con una aleación de metal que no solo le permite sentir, también puede adoptar la forma de cualquier mujer, el plan perfecto para sustituir a la bella María y desatar un motín para destruir a la maquina y culpar a los obreros. Pero como todo plan de sabotaje tiene un fallo y esto llevara a una resolución donde el cerebro y el musculo son reconciliados por el corazón. He visitado esta ciudad un par de veces, incluso en alguna de ellas me encontré con uno de sus habitantes ilustres, el celebre Forrest J. Ackerman, que vivía en la lujosa torre Rotwang, ubicadas en el nivel Lang cerca del camino aéreo Harbou. Siempre que voy al café Géiser el dueño me cuenta esta historia, que no me canso de escuchar, por cada vez que lo hace siento algo diferente.

Miro el reloj, pronto los silbatos aullaran anunciando el cambio de turno. Miro por la ventana del local y todo se mantiene exactamente igual, hasta el aroma de la época que la produjo, aquel 1927 donde el expresionismo alemán llevaba la batuta. Dejo la propina y salgo a mi cita con Fritz Lang, es momento de ver cómo, a pesar del implacable paso del tiempo, su visión sigue siendo un referente para quienes siguen edificando el futuro, esa proyección especulativa en la que aguarda el bienestar de la humanidad. Miro nuevamente y veo la imponente torre central que vigila el paso de vehículos, aviones y dirigibles, regulando el flujo de esta maravillosa ciudad silente y desaturada cuyos contrastes siguen ejerciendo ese influjo imponente que la ha convertido en patrimonio de la humanidad.

Suban a su transporte de confianza y sin mas que decir visitemos entonces esta Metrópolis tan particular.

Y si, el agente David Lynch fallecio: un pequeño homenaje

 

David Lynch ha fallecido. Después del aviso en las redes sobre el suceso, muchos mensajes se compartieron hablando del efecto de la obra de este director de cine, de su perspectiva artística y visual del celuloide, junto con la extraña e incómoda sensación que generó cada una de sus películas. Sin duda alguna Lynch dejó en las mentes de quienes vieron por azar o fortuna alguna de sus obras, como yo, ideas únicas y raras para, como diría William Burroughs, mover el estudio realidad.

Nacido el 20 de enero de 1946 en Montana, tuvo, a diferencia de lo que se imagina sobre su vida, una niñez feliz en una familia de clase media común. Para los interesados en teorías conspirativas, este detalle puede ser fascinante: Lynch a los 15 años trabajó como organizador de sillas en la ceremonia de investidura del presidente John F. Kennedy.

Pronto sintió deseos de ser artista y fue al Corcoran School of Art en Washington D.C. mientras completaba su educación secundaria en Alexandria, Virginia. Después se inscribió en el School of the Museum of Fine Arts en Boston por un año, antes de irse a Europa junto a su amigo y compañero de arte Jack Fisk. Su intención era estudiar con el pintor del expresionismo austriaco Oskar Kokoschka (quien se convertiría en una de sus principales influencias artísticas) durante tres años. Sin embargo, Lynch volvió a los Estados Unidos después de solo 15 días.

David se enfocó en aprender en varias escuelas de arte hasta que llegó a la American Film Institute Conservatory. Allí, comenzó a filmar su primer largometraje, "Eraserhead" ("Cabeza Borradora", 1971). El productor Mel Brooks quedó impresionado con esta cinta y contrató a Lynch para dirigir en 1980, "El hombre Elefante", con Anthony Hopkins como protagonista. La película resultó ser un gran éxito en taquilla y recibió ocho nominaciones a los Oscars. Durante los años 80, consolidó su carrera, dirigiendo títulos como "Dune" (1984) y "Terciopelo Azul" (1986). Esta última fue muy querida y apreciada tanto por la crítica como por el público, y hoy se considera una de las obras maestras del cine moderno.

Los 90 comenzaron con el lanzamiento de la serie Twin Peaks, en conjunto con el productor Marc Frost. La producción rápidamente se convirtió en un verdadero fenómeno cultural a nivel global. Debido a su éxito, la serie tuvo una película precuela llamada "Twin Peaks: Fuego Camina conmigo" (1992), que tuvo una recepción mixta y fue un fracaso comercial. Dos años antes, el director tuvo éxito con "Corazón Salvaje" (1990), que, aunque ganó la Palma de Oro en Cannes, no convenció del todo al público. Durante la década de los 90, estuvo cinco años alejado del cine, enfocándose en el mundo de las series como "On the air" o "American Chronicles". En 1997 regresó con "Carretera Perdida" y dos años después con "Una historia verdadera". Estas producciones, aunque muy distintas entre sí, demostraron su buen estado creativo, el cual fue aún más evidente con el estreno de "Mulholland Drive" (2001). Protagonizada por Naomi Watts y Laura Harring, la película explora el lado oscuro detrás de esa "fábrica de sueños" llamada Hollywood. La recepción fue muy positiva y el director ganó el premio a mejor director en Cannes. Su último trabajo en el cine fue Inland Empire (2006), una historia que entrelaza diferentes niveles narrativos sin aclarar el vínculo entre ellos. Su rico universo se caracteriza por una estética surrealista y un profundo deseo de explorar el lado oscuro de la experiencia humana.

Este número es un pequeño homenaje a esas ideas que han influido en la cultura popular, un legado bien particular, único, de un visionario que se alejo de las formulas para ofrecer una percepción extrañamente acogedora.

De manuscritos, legados y marcas misteriosas: una reseña de Los Hijos de la Diosa Huracan de Daína Chaviano

 

¿Cómo resumir “Los hijos de la Diosa Huracán" en un solo tipo de libro? No podría. Daína Chaviano ha construido una obra de ficción histórica, muy bien documentada, por cierto, pero que al mismo tiempo contiene un thriller, una historia de amor y hasta una aventura épica.

 

 "Los hijos de la Diosa Huracán" se desarrolla en dos períodos distintos. Por un lado, en la actualidad, conocemos a Alicia Solomón, residente en Miami, experta en criptología y documentos antiguos. Cuando era pequeña, fue encontrada en una balsa a la deriva, por lo que fue llamada “la niña milagro”, antes de ese evento ella no recuerda nada. Su vida cambia drásticamente cuando recibe el encargo de su tio Virgilio, residente en Cuba, para que descifre un manuscrito del siglo XVI. Por otro lado, nos trasladamos al año 1503 y encontramos a Juana y su padre, Jacobo, experto encuadernador. Ellos viven en España, pero deben escapar del país a causa de la envidia de Torcuano el viejo, quien busca la manera de librarse de Jacobo denunciando que pertenece al judaísmo, a pesar de ser católico converso y su viaje los llevara a Cuba, que antes se llamaba La Española.

 

Las dos historias, la del pasado y la del presente, están perfectamente conectadas. Alicia, a través del manuscrito, va descubriendo la historia de Juana, al mismo tiempo que comienza a conectar con esa memoria olvidada de su linaje y la misteriosa marca que porta. Las descripciones aportadas por Juana conectan con la cultura Taina, los nativos de la isla que, según la historia oficial, habían desaparecido. Chaviano nos relata con mucha claridad cómo era la vida en esa época, lo que hace fácil imaginarse en el siglo XVI. Personalmente, no conocía la historia de Cuba y sus pueblos indígenas, sobre todo los taínos, una tribu llena de misticismo y dioses.

 

Sin duda los personajes están muy bien desarrollados, especialmente los femeninos, Alicia y Juana. Su arco de transformación obedece a las circunstancias y las situaciones que deben afrontar, convirtiéndolas en mujeres fuertes y valientes. Leer la historia de Juana ha sido enriquecedor, este personaje es el centro de toda la trama. Su relación con los taínos me ha encantado, la autora nos obsequia una mirada a ese proceso de colonización de la isla y adicional a esto, algo que también me entusiasmó bastante fue la incorporación de La Hermandad – una suerte de tradición premasonica- y todo lo relacionado a la cultura del libro. Justamente las conexiones de esa enorme red establecida por La Hermandad, sus códigos y lenguajes, nos presenta una

 

Pongámonos en contexto con la época, siglo XVI. La iglesia católica tenía "la razón y la verdad", todo lo demás era considerado herejía. Los taínos veneraban a sus dioses y eran perseguidos por la iglesia para que abandonaran su fe o enfrentarían castigos. Aquí, Juana jugará un papel muy importante. Y en la época actual, experimentaremos un thriller junto a Alicia, donde hay una conspiración para que el legado, un manuscrito que revela el verdadero sentido del gobierno de cuba, no sea revelado. A lo largo de la novela, las vidas de Alicia y Juana estarán unidas por un vínculo invisible de cinco siglos. En cuanto a la investigación, es evidente que la autora se ha documentado muy bien, se siente el amor que tiene por su Cuba, y ha tratado con gran respeto la historia de sus pueblos indígenas y sus leyendas. Quisiera destacar la hermosa edición de Grijalbo, con tapa dura y sobrecubierta, y en el interior podemos encontrar un mapa a color de las islas caribeñas de esa época, realizado en 1763 por Giuseppe María Terreni.

 

En resumen, "Los hijos de la Diosa Huracán" es una novela histórica de aventura grandiosa, donde se muestra lo mejor y lo peor de las personas, también hay magia, amor y un poco de tensión. Todos los elementos necesarios para disfrutar de un buen libro.

La pesadilla del granjero: una reflexión a diez años del estreno de Interestelar (2014) de Christopher Nolan

Es el año 2067. Las tormentas de tierra impactan seriamente las cosechas de trigo y esto hace que la agricultura sea cada vez más complicada. Joseph Cooper, antiguo piloto de la NASA, inspecciona los tractores que no siguen el patrón común de recolección y se da cuenta de que algo está sucediendo con el magnetismo que evita una correcta geolocalización – un regalo y a la vez un problema heredado por el iPhone – cuestionando también su presencia en la tierra. Cuando llega la primera tormenta, la familia Cooper tiene que salir rápidamente del partido de beisbol al que asisten con frecuencia, para ir a la granja y descubrir la primera señal enviada por “ellos”, un conjunto de símbolos en código morse que le muestran unas coordenadas ¿Qué rara tarea espera a este confundido granjero? ¿Qué le espera después de dejar ese mundo normal? ¿Será un viaje lógico o más bien emocional? A diez años de su estreno, regresa a las pantallas de cine IMAX Interestellar (2014) décima película del director Christopher Nolan. Tras varias revisiones, empiezo a notar otros detalles que llevan directamente a estas preguntas que serán respondidas, no hay duda de eso, pero ¿Qué esconde entre líneas esta historia que nos vuelve a llevar al espacio y la idea de buscar nuevos lugares por habitar?

Comienzo con una imagen común en las películas de Estados Unidos: un hombre sentado en la veranda de su casa mirando la puesta de sol mientras disfruta de una cerveza. ¿Qué estará pensando Joseph Cooper? Como espectadores, nunca lo sabremos; asumimos que está reflexionando sobre su siguiente paso. Después de encontrar las coordenadas y los libros que cayeron en la biblioteca de su hija Murphy, Cooper acepta el reto de la aventura y se entera de que aún hay un proyecto para viajar al espacio liderado por el profesor Brand, el proyecto Lázaro, una iniciativa que busca encontrar un nuevo planeta para "salvar lo que queda de la humanidad" en un acto desesperado de sobrevivir. Hay detalles que no son coincidencia, como el hecho de que hay doce rangers – vehículos para navegar en el espacio – el agujero de gusano llamado Gargantúa creado por "ellos" en la órbita de Saturno y las decisiones posteriores como ir al planeta Miller y después al de Mann, basadas en lo lógico y una tercera opción que se basa en lo emocional, que es ir al planeta de Edmunds, el verdadero mundo donde se puede vivir, para reiniciar la humanidad. Sin duda alguna una odisea espacial que lo llevara a descubrir que existen mas dimensiones de las que podemos ser conscientes y que negamos ser ayudados por entes superiores a nuestro intelecto.

En la película observamos varias escenas sobre el instinto de supervivencia: las familias buscando un nuevo hogar con lo poco que pueden llevar en sus vehículos, apoyándose en los vínculos familiares, buscando otro lugar donde quedarse, el regreso a casa del Doctor Mann; en todas estas situaciones hay una especie de individualismo que solo les hace pensar en ellos mismos y no en los demás. Lo que quiero transmitir con esto es que, más allá del impresionante escenario que nos muestra el director, hay un mensaje que activa nuestros recuerdos antiguos y está relacionado con la selección natural de Darwin: vamos a morir. Si miramos hacia atrás en nuestra evolución, podemos ver que en cada etapa el miedo a la muerte sigue presente en el inconsciente, la conservación de la vida es sin duda lo que ha llevado al ser humano a complicar su entorno y buscar nuevas formas de ser independiente y no depender del entorno que lo rodea, desconectarse completamente de la naturaleza y lograr superar esas limitaciones que hacen al ser humano una especie vulnerable, aunque su ego le diga lo contrario.

El poeta francés Paul Éluard escribió una frase que sigue siendo relevante: “Hay otros mundos, pero están en éste”. El proyecto Lázaro trazaba un plan para “salvar” a la humanidad, una idea muy idealista, pero que al llevarla a la práctica solo salvaría a un pequeño número. Este es un pensamiento que aparece en muchas películas de space opera y en historias sobre invasiones de extraterrestres. La mayor parte de las amenazas solo se muestran en Estados Unidos. ¿Qué pasa al mismo tiempo en otros lugares? Son detalles que harían más complicada la historia de la película, pero no hay que olvidar ese recurso que falta en este tipo de filmes, salvo raras excepciones como Distrito 9 (Neil Blomkamp) y El Eternauta (Oesterheld, Solano López); la mayoría de las catástrofes se centran en la percepción paranoica de un país que ha seguido una línea de pensamiento: debemos protegernos de ese enemigo que vive en lo que no conocemos y cuya comprensión podría llevarnos al desastre. ¿es necesario abandonar este mundo en costosos vehículos espaciales hacia un agujero de gusano? ¿no existen alternativas? Interrogantes que complejizan aun mas el intrincado guion escrito entre Christopher y su hermano Jonathan Nolan, en el que el argumento científico Inter dimensional encubre el aterrador miedo a morir sin haber encontrado una forma de salvación.

Ya el artista Francisco Goya predecía el desastre en aquella pintura El Sueño de la Razón produce Monstruos. Si hay algo que todavía detiene el verdadero avance de la humanidad es el apego a todo lo familiar, salir de esa zona y cruzar el límite de lo conocido lleva a tomar decisiones equivocadas. Ese es el viaje que lleva a Cooper a ser dudoso, a no reconocer realmente que nuestro mundo no solo fue formado por la inteligencia humana, ha olvidado que también existen fuerzas que nos han dado señales de varias maneras y no queremos aceptarlos, aunque estén justo delante de nosotros. Es parte de los mecanismos de supervivencia dejar de lado la intuición que proporciona la percepción y reducirla a un patrón de control, instalado de manera eficaz por la industria cultural.

A diferencia de 2001 Odisea del Espacio, filme con el que comparan la obra de Nolan, en interestelar persiste una mirada egocéntrica que sin duda semeja a la premisa del libro de Eric von Daniken Recuerdos del Futuro, en la que el teórico de los antiguos astronautas afirmna que somos nosotros mismos quienes viajamos mediante vehículos espaciales a través del tiempo para recordar e incorporar la tecnología necesaria para cada época de la historia, obviamente a su debido tiempo. Sin duda aquí el monolito se diluye por un completo complejo de mesias en el que no soportamos la idea de que habitamos una realidad limitada por la baja comprensión de nuestros sentidos biológicos. En resumen, este periplo espacial trae, en el fondo, el recuerdo de ese miedo primigenio que hasta el día de hoy persiste en nuestras células: el miedo a morir, lo que trae a colación esas recurrentes líneas del poema de Dylan Thomas No entres docil en esa buena noche

No entres dócil en esa buena noche,
La vejez debería arder y delirar al final del día;
Rabia, rabia contra el ocaso de la luz.

Los sabios, ante el fin, saben que está bien la oscuridad,
Porque sus palabras no lograron abrirla con un rayo,
No entres dócil en esa buena noche.

Hombre bueno, que lagrimea aún el brillo de la última ola
Tus frágiles andanzas danzan en una bahía verde,
Rabia, rabia contra el ocaso de la luz.

Hombre bárbaro que atrapaste el sol en vuelo y lo cantaste,
Y aprendiste muy tarde y lo fuiste lamentando en el camino,
No entres dócil en esa buena noche.

Hombre grave, cercano a la muerte, ante su cegador panorama
Cuyos ojos ciegos arden como meteoros alegres,
Rabia, rabia contra el ocaso de la luz.

Y tú, mi padre, que estás ya en la triste altura,
Maldice y bendíceme con tus lágrimas feroces, te lo ruego.
No entres dócil en esa buena noche.
Rabia, rabia contra el ocaso de la luz.

EL SOTANO ROJO / JORGE BARADIT / SUMA DE LETRAS 2024

 

Los fantasmas son como una imagen borrosa en una cinta muy usada. Una marca en el suelo que al día siguiente parece borrosa, como si fuera el rastro de algo que estuvo presente en nuestro patio y en nuestra existencia. En la novela El Sótano Rojo, de Jorge Baradit, un fantasma representa un recuerdo doloroso que nos atormenta. La historia se desarrolla en Santiago de Chile en 1991 y sigue a Tamara, una estudiante de arquitectura que busca a su madre desaparecida durante la dictadura a través de psicofonías y videntes. La novela fue publicada en noviembre de 2024 por Suma de Letras, editorial de Penguin Ramdon House.

En 2005, Jorge Baradit inició su carrera como escritor con la novela Ygdrasil, que combina la estructura del ciberpunk de William Gibson con la visión del mundo mapuche y las relaciones de poder entre las instituciones y la magia ancestral, dando origen al ciberchamanismo. A continuación, fueron publicadas las siguientes obras: Trinidad en 2007, Synco en 2008, Kalfukura en 2009, Policía del Karma en 2011, Lluscuma en 2012, La Guerra Interior en 2017, y La Virgen de la Patagonia en 2022. Ahora regresa con El Sótano Rojo, una novela que explora la memoria histórica y los efectos de la dictadura a través de la protagonista Tamara. Una estudiante de 21 años de arquitectura se ve obligada a investigar los misterios ocultos de una antigua mansión para encontrar pistas sobre la desaparición de su madre durante la dictadura, descubriendo que la verdad es mucho más compleja de lo que pensaba.

 Es importante mencionar que Baradit aborda en sus escritos la historia menos explorada de Chile y se adentra en la concepción de su proyecto, Historia secreta de Chile, como una pausa creativa. Entre 2015 y 2017 se publicaron tres entregas que presentaban una etapa conflictiva, seguidas por "La Dictadura (2018)", "Héroes 1 y 2" y "Rebelión". Estas piezas escritas desafían la versión oficial de la historia chilena y fomentan la revisión de los hechos pasados, suscitando discusiones sobre la ideología que fundamenta al país.

En una entrevista reciente en el programa Frecuencia Publica, Daniela Figueroa conversó con Baradit sobre El Sótano Rojo. Baradit comenzó diciendo que al hacer arqueología se pueden encontrar esqueletos, secretos, asesinatos en el closet y una alfombra de tres mil kilómetros donde se ocultan atrocidades. También mencionó la presencia de estratos de crímenes, masacres y corrupción en los archivos. Actualmente, gracias a los medios de comunicación y a la obligada transparencia promovida por internet, podemos descubrir las redes de poder y de impunidad. “Este libro nos invita a explorar este país, utilizando la metáfora de una casa y su sótano” dice el escritor.

 ¿Qué secretos se esconden en ese sótano? ¿Cómo abordar un trauma sin caer en la revictimización, sin minimizar las secuelas de la dictadura? Esta pregunta había estado latente en la mente del escritor por quince años, hasta que finalmente encontró las palabras y el coraje para plasmar en su protagonista Tamara todo el flujo de dolorosos recuerdos. En sus relatos, no es la primera vez que utiliza una voz femenina para llevar al lector en el viaje. En Ygdrasil se encontraba Mariana, en Synco estaba Martina Aguablanca, en la Virgen de la Patagonia será Marta Yagan y ahora, Tamara – en honor a la compañera del Che Guevara – nos lidera en esta expedición psicogeográfica. La casa embrujada ahora tiene una carga fétida, una memoria histórica del 11 de septiembre de 1973 y sus consecuencias en aquellos que vivieron de cerca el golpe militar.

La incertidumbre de Tamara, quien ha vivido en el exilio en Paris, no la deja tranquila hasta que encuentre a su madre, cuyo fantasma habita en las paredes de sus recuerdos como una militante comprometida de la unidad popular – el partido que llevo a la victoria a Salvador Allende – y luego colaboradora del MIR. El padre de Tamara quiere protegerla de la dolorosa verdad sobre esa figura materna, pero ella insiste y esa terquedad la llevara a una casa abandonada que esta siendo remodelada y vivir allí alejada de esas voces que intentan detenerla. En una deriva por el barrio descubre a Rosario, una vidente Mapuche heredera de los conocimientos de la Recta Provincia de Chiloe, quien se sumará a su búsqueda mediante un ingenio alquimista con cables de cobre y un televisor UHF que sintoniza las presencias y las voces que habitan la casa. Tras la tensión entre las mentiras de Tamara y la rabia de Rosario, esta ultima le revela que hay una guerra y aun no termina, una contienda con fuerzas desconocidas que manipulan la psique humana donde los muertos son retenidos para alimentar la oscura maquinaria que manipulan a la humanidad desde las sombras.

Tamara, quien ha vivido exiliada en París, siente una profunda incertidumbre que la atormenta. Su principal objetivo es encontrar a su madre, cuyo recuerdo la persigue constantemente como una militante comprometida con la unidad popular y luego colaboradora del MIR. Tamara quiere descubrir la verdad sobre su madre, a pesar de la oposición de su padre. Su terquedad la lleva a una casa abandonada en proceso de remodelación, donde decide vivir para alejarse de las voces que intentan detenerla. Mientras paseaba por el barrio, se topó con Rosario, una vidente Mapuche que heredo sus conocimientos de la extinta Recta Provincia de Chiloe. Ella se unió a su búsqueda utilizando un ingenio alquimista con cables de cobre y un televisor UHF que captaba presencias y voces en la casa. Después de la discusión entre Tamara y Rosario, Rosario le confiesa que existe una guerra que aún no ha terminado. Se trata de una contienda con fuerzas desconocidas que controlan la mente de las personas y utilizan a los muertos para alimentar su oscura maquinaria, actuando desde las sombras.

La casa es un lugar que cambia constantemente, donde cada habitación te transporta a una época diferente. En ella se pueden encontrar los restos de un antiguo centro de torturas y cada día se descubren nuevas habitaciones. El conserje parece saber más de lo que dice. Claramente, la avalancha de palabras me hizo pensar en Nocturno de Chile de Bolaño debido a su estructura sin capítulos, donde la narración fluye de principio a fin con descripciones viscerales y referencias a la tecnología que se entrelazan con la historia y la identidad de Chile. Una novela impactante que nos muestra cómo los recuerdos dolorosos aún nos afectan y nos impiden sanar. Chile se ve reflejado en una sociedad marcada por el poder injusto y el miedo, donde las atrocidades no pueden ser ignoradas, a pesar de los intentos por ocultarlas.

UNA MEJOR VERSION DE TI: LA (A)SUSTANCIA

 

Demi Moore conoce a su mayor rival: su version juvenil

Si todo el mundo comenta una película, seguramente tendrá algo especial. Recordemos que el cine comienza como una evolución de las preocupaciones de la pintura y la fotografía interesadas en capturar el movimiento. Una vez que se logra ese objetivo, las películas se convierten en el medio de narrar historias que generan un impacto mucho mayor que las palabras o las imágenes estáticas. El concepto principal de la película radica en la combinación de dos imágenes para dar lugar a un significado totalmente nuevo.

 ¿Qué es lo que hace que La Sustancia se tan comentada? ¿Esa combinación de significados produce un impacto tan fuerte en contraste con la crítica que hace al fetiche del cuerpo femenino? La directora francesa Coralie Fargeat mezcla influencias de cineastas como Stanley Kubrick y David Cronenberg – incluso otras más – para crear un impactante cóctel de terror corporal que incomoda al espectador y lo hace querer salir de la sala de cine. Fargeat nos muestra una historia impactante y directa que critica la objetivación del cuerpo de las mujeres en diferentes contextos, incluyendo la industria del cine.

 En resumen, se refiere al mundo de la fama y el lujo, donde una celebridad es el centro de atención en eventos importantes y galas de premios. En la primera escena vemos a los trabajadores colocando el molde y las letras de tu nombre en una marquesina dorada, brillante, indicando que tendrá una larga duración. Ocurren eventos como la inauguración, con flashes y cámaras disparando fotos que aparecerán en revistas de farándula. Estás en la cima. El tiempo y la edad son implacables. Ellos son implacables y la única solución es crear videos de ejercicios para que tus seguidores se mantengan en forma. Tu error sagrado se hace evidente al ver una de tus fotos en el pasillo del estudio de televisión. Elizabeth Sparkle se cuestiona sobre su utilidad y belleza, temiendo ser sustituida pronto. Tras un accidente, una visita al médico la lleva a considerar ser parte de La Sustancia, una decisión que podría cambiar su vida drásticamente.

 Demi Moore interpreta a la actriz en decadencia Elisabeth Sparkle, quien es el centro de esta inquietante historia. Moore interpreta de forma exagerada a una ex estrella de Hollywood que ve cómo su carrera y juventud desaparecen lentamente. Su personaje, desesperado, decide someterse a un tratamiento experimental para recuperar la juventud. Sin embargo, este procedimiento va más allá de cambiar su aspecto físico, representa la lucha interna que muchas mujeres enfrentan al buscar ser relevantes en una sociedad que las discrimina por la edad.

Elisabeth Sparkle no es solo una mujer preocupada por su aspecto, sino que también es una persona que desafía un sistema que la ha influenciado y ahora la excluye. Moore logra retratar de forma magistral la mezcla de desesperación, rabia y resignación en Elisabeth, convirtiéndola en un personaje trágico y complejo en una época dominada por cirugías plásticas y sustancias como el Bótox y el Ozempic, que prometen la eterna juventud, pero deforman rostros y cuerpos.

 Otro aspecto importante de la película es la actuación de Margaret Qualley, quien da vida a Sue, la versión más joven de Elisabeth. Qualley, la hija de la actriz Andie MacDowell, ha heredado la frescura y vulnerabilidad de su madre, lo que resulta en un contraste inquietante en la gran pantalla. Sue es como una versión idealizada de Elisabeth, representando la perfección física que ya no puede lograr. Qualley interpreta el papel de Sue de forma magistral, combinando a la perfección la inocencia con un toque de peligro. De esta manera, pone de manifiesto cómo esta versión "mejorada" de Elisabeth representa una amenaza para su identidad.

Una suerte de conflicto Jekyll y Mr. Hyde, es inevitable. Ambas luchaban por el control de su mente y cuerpo, una batalla constante entre la bondad y la maldad que residían en su interior. Finalmente, una de ellas salió victoriosa, pero nunca olvidaría la parte oscura que había sido capaz de manifestar.  Hyde son dos personajes opuestos en la novela de Robert Louis Stevenson. Jekyll es un respetado médico que experimenta con una droga que lo transforma en Hyde, un ser malvado y violento. A medida que Jekyll pierde el control sobre sus transformaciones, Hyde comienza a causar caos en la ciudad. La historia explora la lucha interna entre el bien y el mal dentro de cada individuo. El personaje de Hyde representa una lucha interna entre aceptar envejecer y aferrarse a la juventud artificial. The Substance es una representación de cómo las personas se sienten solas en un mundo que prioriza la imagen sobre lo que realmente somos. La relación entre los personajes muestra cómo la forma en que nos vemos a nosotros mismos puede influir en nuestra identidad. Asimismo, se reflexiona sobre cómo tratar de cumplir con las expectativas de los demás puede llevar a que perdamos nuestra humanidad.

EDITOTIAL 145 / Max Rockatansky: La leyenda del guerrero de la carretera

 

Max Rockatansky aguarda en su vehículo interceptor V8 la llegada de algún delincuente o rebelde que desafíe la paz y la tranquilidad del camino al exceder el límite de velocidad establecido. Ingresó a la Fuerza Principal con el objetivo de preservar la paz y la seguridad en las rutas de Victoria, Australia. Se dice que es reservado y ha sido considerado el mejor oficial de la fuerza, sin embargo, le aterra la posibilidad de convertirse en tan despiadado como los criminales a los que persigue, especialmente la banda de motociclistas liderada por "Toecutter". Su única preocupación es proteger a su esposa Jessie y a su pequeño Sprog. Max descubre a este grupo después de presenciar cómo su cómplice, Goose, es quemado vivo por Toecutter dentro de una camioneta. Después de presenciar el cuerpo quemado en la cama del hospital, Max siente un fuerte deseo de renunciar a su trabajo en la MFP. Sin embargo, su superior logra persuadirlo de tomarse unas vacaciones antes de tomar una decisión final. La MFP está al borde de la desobediencia debido a la falta de condenas de los criminales arrestados por parte del sistema judicial.

La calma de los días no suele durar mucho tiempo en la vida de Max. La muerte de Jessie y el pequeño Sprog es el trágico desenlace del enfrentamiento con Toecutter. Max se ve consumido por el dolor y la rabia, llevándolo a tomar la decisión de vengarse y acabar con Toecutter. Su superior le brinda el Interceptor Especial V8 para persguir y eliminar a cada miembro de la pandilla. Toecutter engaña a Max, quien termina herido con un disparo en la pierna y una fractura en el brazo derecho. En su estrategia, primero se deshace de Bubba Zanetti, el teniente de la banda, seguido por Johnny the Boy y, finalmente, por Toecutter. Después de cumplir su misión de venganza, Max se adentra en el desierto, dejando atrás los escombros de lo que alguna vez fue una sociedad civilizada para seguir las reglas del camino y el motor diésel, las únicas cosas que quedan después del colapso.

Después de tres años desde el colapso, Max sigue vagando por lo que conocen como el Wastedland, en su Pursuit Special. La escasez de gasolina dificulta encontrar refugio y ha llevado a un retorno a los días de caza y recolección, donde la supervivencia es un desafío constante. Por fin, llega a un pueblo que administra una estación de extracción de petróleo y una refinería alejada, la cual está siendo atacada por Lord Humungus y su grupo de motociclistas saqueadores. Max inicialmente actúa motivado por su propio interés al aceptar ayudar a los colonos a cambio de gasolina. Sin embargo, de manera irónica, Humungus destruye el Pursuit Special poco después de que Max lo reabastece. A pesar de ello, Max empieza a admirar a los colonos y establece una conexión especial con un el niño salvaje, quien lo ayuda a recuperar parte de su humanidad. En medio de un intenso enfrentamiento en la carretera, asiste a los colonos para que logren huir hacia Sunshine Coast. A pesar de todo, Max está emocionalmente devastado y le resulta difícil establecer relaciones significativas con los demás. Finalmente, decide dejar atrás a los sobrevivientes y opta por seguir errante en solitario a través de la tierra desolada. El niño con el que Max se relaciona menciona que nunca más volvió a encontrarse con él.

Han pasado quince años desde la última vez que Max fue avistado. Continúa en la búsqueda de todo lo necesario para mantenerse con vida. Su melena ha crecido considerablemente y apenas quedan rastros visibles de su uniforme policial anterior. Tras ser despojado de sus camellos y escasas pertenencias por unos ladrones en el yermo. Max va a Bartertown para recuperar sus cosas. Es desterrado por la severa tía Entity, líder de Bartertown, y abandonado en el desierto. Afortunadamente, es rescatado por una tribu de niños que habitan en un oasis en medio de la nada. Max trata al principio de deshacerse de los niños, quienes lo consideran equivocadamente como un salvador casi religioso. A pesar de sus reticencias iniciales, al final accede a ayudar a los niños a huir hacia las ruinas de Sydney en uno de los pocos aviones que aún sobreviven en ese lugar desolado. En medio de una batalla climática en el desierto, decide renunciar a su propio asiento en el avión para garantizar la seguridad de los niños y que puedan despegar sin contratiempos. Tras su llegada a Sydney, los niños emplean tecnología preapocalíptica para iniciar el proceso de reconstrucción de la civilización, sin embargo, Max una vez más se encuentra atrapado en el desierto. En esta historia, Max podría estar completando un ciclo al recuperar su humanidad y dejar de lado su propia comodidad para ayudar a los demás. Todas las noches, la narradora deja una luz encendida en un rascacielos para que Max, el heroico salvador de los niños, pueda encontrar el camino de regreso a Sydney si así lo desea.

Desde hace 35 años no se tiene noticias de Max. En la actualidad, está visiblemente agotado, solo en compañía de su fiel Interceptor V8. Después de que su Interceptor es destruido y es capturado por la pandilla de los "War Boys", él es encarcelado y obligado a ser la bolsa de sangre de Nux, un War Boy enfermo. Nux, con Max atado a su coche, se une a la persecución e inicia una intensa batalla en la carretera. Luego de adentrarse en territorio enemigo y repeler a una pandilla rival, Furiosa conduce hacia una tormenta de arena, logrando perder a todos sus perseguidores menos a Nux, quien intenta sacrificarse para hacer explotar la plataforma. Max libera a Nux y lo sostiene mientras Furiosa destruye el auto de Nux. Max se ve obligado a unirse a Imperator Furiosa en su peligrosa misión de rescatar a cinco mujeres de Immortan Joe, el despiadado líder de los War Boys, mientras huyen a toda velocidad en un vehículo. Después de derrotar a quienes lo perseguían, Max opta por separarse del resto de los sobrevivientes y desaparece por completo.