UNA MEJOR VERSION DE TI: LA (A)SUSTANCIA

 

Demi Moore conoce a su mayor rival: su version juvenil

Si todo el mundo comenta una película, seguramente tendrá algo especial. Recordemos que el cine comienza como una evolución de las preocupaciones de la pintura y la fotografía interesadas en capturar el movimiento. Una vez que se logra ese objetivo, las películas se convierten en el medio de narrar historias que generan un impacto mucho mayor que las palabras o las imágenes estáticas. El concepto principal de la película radica en la combinación de dos imágenes para dar lugar a un significado totalmente nuevo.

 ¿Qué es lo que hace que La Sustancia se tan comentada? ¿Esa combinación de significados produce un impacto tan fuerte en contraste con la crítica que hace al fetiche del cuerpo femenino? La directora francesa Coralie Fargeat mezcla influencias de cineastas como Stanley Kubrick y David Cronenberg – incluso otras más – para crear un impactante cóctel de terror corporal que incomoda al espectador y lo hace querer salir de la sala de cine. Fargeat nos muestra una historia impactante y directa que critica la objetivación del cuerpo de las mujeres en diferentes contextos, incluyendo la industria del cine.

 En resumen, se refiere al mundo de la fama y el lujo, donde una celebridad es el centro de atención en eventos importantes y galas de premios. En la primera escena vemos a los trabajadores colocando el molde y las letras de tu nombre en una marquesina dorada, brillante, indicando que tendrá una larga duración. Ocurren eventos como la inauguración, con flashes y cámaras disparando fotos que aparecerán en revistas de farándula. Estás en la cima. El tiempo y la edad son implacables. Ellos son implacables y la única solución es crear videos de ejercicios para que tus seguidores se mantengan en forma. Tu error sagrado se hace evidente al ver una de tus fotos en el pasillo del estudio de televisión. Elizabeth Sparkle se cuestiona sobre su utilidad y belleza, temiendo ser sustituida pronto. Tras un accidente, una visita al médico la lleva a considerar ser parte de La Sustancia, una decisión que podría cambiar su vida drásticamente.

 Demi Moore interpreta a la actriz en decadencia Elisabeth Sparkle, quien es el centro de esta inquietante historia. Moore interpreta de forma exagerada a una ex estrella de Hollywood que ve cómo su carrera y juventud desaparecen lentamente. Su personaje, desesperado, decide someterse a un tratamiento experimental para recuperar la juventud. Sin embargo, este procedimiento va más allá de cambiar su aspecto físico, representa la lucha interna que muchas mujeres enfrentan al buscar ser relevantes en una sociedad que las discrimina por la edad.

Elisabeth Sparkle no es solo una mujer preocupada por su aspecto, sino que también es una persona que desafía un sistema que la ha influenciado y ahora la excluye. Moore logra retratar de forma magistral la mezcla de desesperación, rabia y resignación en Elisabeth, convirtiéndola en un personaje trágico y complejo en una época dominada por cirugías plásticas y sustancias como el Bótox y el Ozempic, que prometen la eterna juventud, pero deforman rostros y cuerpos.

 Otro aspecto importante de la película es la actuación de Margaret Qualley, quien da vida a Sue, la versión más joven de Elisabeth. Qualley, la hija de la actriz Andie MacDowell, ha heredado la frescura y vulnerabilidad de su madre, lo que resulta en un contraste inquietante en la gran pantalla. Sue es como una versión idealizada de Elisabeth, representando la perfección física que ya no puede lograr. Qualley interpreta el papel de Sue de forma magistral, combinando a la perfección la inocencia con un toque de peligro. De esta manera, pone de manifiesto cómo esta versión "mejorada" de Elisabeth representa una amenaza para su identidad.

Una suerte de conflicto Jekyll y Mr. Hyde, es inevitable. Ambas luchaban por el control de su mente y cuerpo, una batalla constante entre la bondad y la maldad que residían en su interior. Finalmente, una de ellas salió victoriosa, pero nunca olvidaría la parte oscura que había sido capaz de manifestar.  Hyde son dos personajes opuestos en la novela de Robert Louis Stevenson. Jekyll es un respetado médico que experimenta con una droga que lo transforma en Hyde, un ser malvado y violento. A medida que Jekyll pierde el control sobre sus transformaciones, Hyde comienza a causar caos en la ciudad. La historia explora la lucha interna entre el bien y el mal dentro de cada individuo. El personaje de Hyde representa una lucha interna entre aceptar envejecer y aferrarse a la juventud artificial. The Substance es una representación de cómo las personas se sienten solas en un mundo que prioriza la imagen sobre lo que realmente somos. La relación entre los personajes muestra cómo la forma en que nos vemos a nosotros mismos puede influir en nuestra identidad. Asimismo, se reflexiona sobre cómo tratar de cumplir con las expectativas de los demás puede llevar a que perdamos nuestra humanidad.

EDITOTIAL 145 / Max Rockatansky: La leyenda del guerrero de la carretera

 

Max Rockatansky aguarda en su vehículo interceptor V8 la llegada de algún delincuente o rebelde que desafíe la paz y la tranquilidad del camino al exceder el límite de velocidad establecido. Ingresó a la Fuerza Principal con el objetivo de preservar la paz y la seguridad en las rutas de Victoria, Australia. Se dice que es reservado y ha sido considerado el mejor oficial de la fuerza, sin embargo, le aterra la posibilidad de convertirse en tan despiadado como los criminales a los que persigue, especialmente la banda de motociclistas liderada por "Toecutter". Su única preocupación es proteger a su esposa Jessie y a su pequeño Sprog. Max descubre a este grupo después de presenciar cómo su cómplice, Goose, es quemado vivo por Toecutter dentro de una camioneta. Después de presenciar el cuerpo quemado en la cama del hospital, Max siente un fuerte deseo de renunciar a su trabajo en la MFP. Sin embargo, su superior logra persuadirlo de tomarse unas vacaciones antes de tomar una decisión final. La MFP está al borde de la desobediencia debido a la falta de condenas de los criminales arrestados por parte del sistema judicial.

La calma de los días no suele durar mucho tiempo en la vida de Max. La muerte de Jessie y el pequeño Sprog es el trágico desenlace del enfrentamiento con Toecutter. Max se ve consumido por el dolor y la rabia, llevándolo a tomar la decisión de vengarse y acabar con Toecutter. Su superior le brinda el Interceptor Especial V8 para persguir y eliminar a cada miembro de la pandilla. Toecutter engaña a Max, quien termina herido con un disparo en la pierna y una fractura en el brazo derecho. En su estrategia, primero se deshace de Bubba Zanetti, el teniente de la banda, seguido por Johnny the Boy y, finalmente, por Toecutter. Después de cumplir su misión de venganza, Max se adentra en el desierto, dejando atrás los escombros de lo que alguna vez fue una sociedad civilizada para seguir las reglas del camino y el motor diésel, las únicas cosas que quedan después del colapso.

Después de tres años desde el colapso, Max sigue vagando por lo que conocen como el Wastedland, en su Pursuit Special. La escasez de gasolina dificulta encontrar refugio y ha llevado a un retorno a los días de caza y recolección, donde la supervivencia es un desafío constante. Por fin, llega a un pueblo que administra una estación de extracción de petróleo y una refinería alejada, la cual está siendo atacada por Lord Humungus y su grupo de motociclistas saqueadores. Max inicialmente actúa motivado por su propio interés al aceptar ayudar a los colonos a cambio de gasolina. Sin embargo, de manera irónica, Humungus destruye el Pursuit Special poco después de que Max lo reabastece. A pesar de ello, Max empieza a admirar a los colonos y establece una conexión especial con un el niño salvaje, quien lo ayuda a recuperar parte de su humanidad. En medio de un intenso enfrentamiento en la carretera, asiste a los colonos para que logren huir hacia Sunshine Coast. A pesar de todo, Max está emocionalmente devastado y le resulta difícil establecer relaciones significativas con los demás. Finalmente, decide dejar atrás a los sobrevivientes y opta por seguir errante en solitario a través de la tierra desolada. El niño con el que Max se relaciona menciona que nunca más volvió a encontrarse con él.

Han pasado quince años desde la última vez que Max fue avistado. Continúa en la búsqueda de todo lo necesario para mantenerse con vida. Su melena ha crecido considerablemente y apenas quedan rastros visibles de su uniforme policial anterior. Tras ser despojado de sus camellos y escasas pertenencias por unos ladrones en el yermo. Max va a Bartertown para recuperar sus cosas. Es desterrado por la severa tía Entity, líder de Bartertown, y abandonado en el desierto. Afortunadamente, es rescatado por una tribu de niños que habitan en un oasis en medio de la nada. Max trata al principio de deshacerse de los niños, quienes lo consideran equivocadamente como un salvador casi religioso. A pesar de sus reticencias iniciales, al final accede a ayudar a los niños a huir hacia las ruinas de Sydney en uno de los pocos aviones que aún sobreviven en ese lugar desolado. En medio de una batalla climática en el desierto, decide renunciar a su propio asiento en el avión para garantizar la seguridad de los niños y que puedan despegar sin contratiempos. Tras su llegada a Sydney, los niños emplean tecnología preapocalíptica para iniciar el proceso de reconstrucción de la civilización, sin embargo, Max una vez más se encuentra atrapado en el desierto. En esta historia, Max podría estar completando un ciclo al recuperar su humanidad y dejar de lado su propia comodidad para ayudar a los demás. Todas las noches, la narradora deja una luz encendida en un rascacielos para que Max, el heroico salvador de los niños, pueda encontrar el camino de regreso a Sydney si así lo desea.

Desde hace 35 años no se tiene noticias de Max. En la actualidad, está visiblemente agotado, solo en compañía de su fiel Interceptor V8. Después de que su Interceptor es destruido y es capturado por la pandilla de los "War Boys", él es encarcelado y obligado a ser la bolsa de sangre de Nux, un War Boy enfermo. Nux, con Max atado a su coche, se une a la persecución e inicia una intensa batalla en la carretera. Luego de adentrarse en territorio enemigo y repeler a una pandilla rival, Furiosa conduce hacia una tormenta de arena, logrando perder a todos sus perseguidores menos a Nux, quien intenta sacrificarse para hacer explotar la plataforma. Max libera a Nux y lo sostiene mientras Furiosa destruye el auto de Nux. Max se ve obligado a unirse a Imperator Furiosa en su peligrosa misión de rescatar a cinco mujeres de Immortan Joe, el despiadado líder de los War Boys, mientras huyen a toda velocidad en un vehículo. Después de derrotar a quienes lo perseguían, Max opta por separarse del resto de los sobrevivientes y desaparece por completo.

UN PACTO PAGADO CON TRABAJO SUCIO: UNA RESEÑA DE “VENDIMOS NUESTRAS ALMAS" DE GRADY HENDRIX

 

Grady Hendrix, el autor revelación del terror moderno, ha escrito sobre herencias malditas y casas embrujadas, exorcismos juveniles, clubes de lectura y vampiros, aterradoras tiendas por departamentos; ¿Qué le faltaba en la lista? Claro, algo de Heavy Metal.

Vendimos Nuestras Almas (2018) aparece en el catalogo de la editorial Minotauro con un bellísimo diseño editorial, una portada digna de un álbum conceptual al estilo South of Heaven de Slayer y con un tratamiento bien particular en cada capítulo – que lleva el nombre de canciones de metal de los 90 hasta algo de country.

Todo comienza en 1986 cuando Kris Pulasky, sentada en el sótano, rasga las cuerdas hasta replicar satisfactoriamente el riff de la popular canción Iron Man de Black Sabbath, un momento que la llevara a tomar la decisión, muy de la época, de formar una banda. En la siguiente pagina ya han pasado 34 años y Kris ahora trabaja en la recepción de un motel en Pensilvania, tal parece que no logro vivir de ese sueño adolescente y su vida se reduce a un mundo ordinario donde tiene lo suficiente para sobrevivir. Mientras conduce su vehículo recorriendo la nostalgia de su etapa metalera, se entera que Terry Hunt, el antiguo vocalista de su banda Dürt Würk – el nombre se inspira en el tratamiento de Mötley Crüe, está de regreso para la ultima gira de su grupo de nu metal Koffin. El metal nunca muere, el metal no se rinde, el metal no retrocede. Este será el detonante que llevara a Kris a buscar a los antiguos miembros de su banda y emprender una épica cruzada para salvar su alma y redimir un pacto que nunca debió ocurrir.

En la trama de esta novela se combinan diversos temas asociados con este género musical: experimentos de control mental estilo MK-Ultra, las dinámicas del negocio musical, el cambio de paradigma del heavy metal al nu metal, el guiño al Woodstock 99 y el desastre tras la presentación de Limp Biskit y las entrevistas y comentarios radiales que van complementando cada capítulo, brindando un contexto que ayuda a dar coherencia al relato. Es muy dinámica y no da tregua, la acción se va incrementando al compás de la densa batería, los riffs de guitarra distorsionados y las voces rasgadas que van revelando un maquiavélico complot de una entidad llamada la Montaña de Hierro Negro, que no está satisfecha con el trato realizado por Terry Hunt y su Manager Bob Anthony, siendo Kris la única con el arma sonora para desmoronarla.

Una brillante partitura narrativa que me devolvió a mi adolescencia y los primeros encuentros con el metal gracias a los casetes que compartía con mis amigos de colegio y también con los amigos del barrio melómanos que conseguían grabaciones piratas. De verdad que me he dado un buen festin sonoro con esta novela. Muy recomendada.

UNA EXPECTATIVA INCUMPLIDA Y UN CIERRE ABRUPTO: UNA CRITICA DE “THE BEAST” dirigida por Bertrand Bonello

 

YOUPLANET/CARAMEL FILMS

¿Qué haría usted al momento de saber que hay alguien que lo puede amar, pero hay algo que lo hace imposible? La crisis del sujeto (pos)moderno, más allá de la parálisis emocional y el miedo al apocalipsis, es la incertidumbre del mañana, una promesa que llena de expectativa a quien aun cree en ello: hoy no fio, mañana sí; el asunto es que ese mañana nunca llegara y así ha sido en el pasado y será en el futuro.

YOUPLANET/CARAMEL FILMS

El guionista y director Bertrand Bonello ha tomado la novela corta de Henry James “La Bestia en la Jungla” de 1902, para llevarla a lo que algunos consideran una atrevida manera de trabajar el tiempo – para los que siguen a Christopher Nolan no es novedad – en la cual Gabrielle (interpretada por la bella e increíble Lea Seydoux) siempre se encuentra con un hombre que al parecer ha conocido en otros momentos, del cual no puede enamorarse. Así las cosas, la estructura exige un espectador atento que no padezca micro sueños y que agarre los índices dispuestos en los objetos, diálogos y actitudes; si, es una no tan digerible narrativa temporal.

Pongamos las piezas sobre el tablero: tres líneas temporales (1910,2014 y 2044), inundación, deseos no consumados, temblores de tierra, masculinidad toxica e inteligencia artificial / simulación; vaya coctel ¿será que si funcionara como una espiral de efectos lisérgicos? Sin duda alguna esto me remite a 1899 de Baran bo Odar (si, el de Dark), que nos adentraba en los impases de una suerte de experimento de simulación ¿Qué pensaría Philip K. Dick a todas estas? En fin.

He visto películas con montajes extraños que a la final se resuelven de una manera satisfactoria, pero en esta ocasión las subtramas no hacen una elipsis efectiva y se pueden sentir dos películas en vez de una sola. Eso sí, tiene unos encuadres y una fotografía maravillosa, pero en lo que respecta a la expectativa generada en la primera secuencia deja un mal sabor argumental, tal vez sea por los puntos de vista planteados y que, a pesar del peso actoral de la Seydoux, no se resuelve con el plano final.

Como espectador me sentí a la deriva en un laberinto de encrucijadas y derivas, los glitches digitales detonaban en mí una ansiedad narrativa, que me dejo naufragando en una idea temporal que me dejo con la sensación de extrañamiento frente a ese novum propiciado por la elucubrada y alambicada ecuación de romance, simulación y brechas temporales.

Editotial 138: Trascender lo humano para mejorarlo, Cyborgs y quimeras ciberneticas

¿Existe la posibilidad de que una persona pueda recuperarse luego de un incidente catastrófico? El escritor Martin Caidin se hizo esta pregunta y para resolverla construye a un astronauta y piloto de pruebas que se convertirá en parte de la cultura popular de la década de los años setenta: Steve Austin.

Tal vez para algunas y algunos ficcionautas este nombre no sea significativo o represente referencia alguna, para otras y otros es uno de los iconos de los enlatados televisivos, en especial por el actor que encarno a Steve: Lee Majors. Volviendo a la novela de Caidin, para aquellos años la teoría cibernética de Robert Weiner había dado frutos en la investigación protésica y la idea de un organismo biológico con partes mecánicas ya rondaba el inconsciente colectivo. Caidin se sirve de las iniciativas gubernamentales y proyecta la Oficina de Operaciones Estratégicas (O.S.O) quienes se han interesado en el trabajo del Dr. Rudy Wells en el campo de la Biónica – la aplicación de métodos y sistemas biológicos de la naturaleza aplicados al diseño de ingeniería y tecnología – en particular la sustitución de partes del cuerpo humano por prótesis mecánicas, que no solo complementan al huésped, sino que también aumentan la capacidad de respuesta otorgando habilidades extraordinarias al portador.

El Dr. Wells conocía a Austin, lo que conlleva a aceptar la invitación del director de O.S.O Oscar Goldman para intervenir al astronauta y devolverlo como un activo para el gobierno. Steve Austin deja de ser un hombre común para convertirse en un Cyborg: un ser con partes corporales orgánicas y biomecatronicas, aumentado cibernéticamente. El término fue acuñado por el científico Manfred Clynes y por el investigador y psicólogo Nathan Kline. A diferencia de un robot o un androide, el ciborg es un organismo que mejora sus capacidades mediante componentes artificiales que dependen de un feedback o retroalimentación efectiva. En otras palabras, esta obra se inscribe en el debate posthumanista, la superación del proyecto humanista, que conllevara al transhumanismo: un ser humano que pueda trascender sus limitaciones mediante la tecnología aplicada.

Steve Austin será el protagonista de una serie de novelas que empieza con Operación Nuclear (1973), Alto Cristal (1974) y Cyborg IV (1975) que luego serán llevadas al audiovisual bajo el nombre de The Six Million Dollar Man o El Hombre Nuclear. Si bien no es el primero, Austin se integra a una tradición que comienza con la falsa Maria de Metrópolis y sigue con Robocop, Darth Vader y Ava de The Machine, película de Cardon W James, en la que dentro del contexto de la guerra contra China, los científicos crean un cybrog con sentimientos y conciencia. A partir de este número comenzamos una serie dedicada a estos organismos mejorados y su impacto en la cultura y la narrativa contemporánea.

Editotial 137: Fragmentos de un fabricante de historias olvidado / A.E. van Voght

 

¿Quién anda ahí? Ah, son ustedes, mis queridas lectoras y queridos lectores. Dispensen mis modales, estaba algo disperso y escucharles me saco de una ensoñación muy particular. ¿Cuál era esa ensoñación? Tenia que ver con un escritor canadiense de ciencia ficción, poco conocido, por cierto, pero que influyo enormemente en Philip K. Dick, uno de mis escritores favoritos. Se trata de Alfred Van Voght, responsable entre otras de novelas como El Mundo de los No-A, Slan, Las Armerías de Isher y Los Fabricantes de Armas.

La relación de Van Voght con la ciencia ficción comienza cuando lee el relato ¿Quién anda ahí? (Who goes there?) de John W. Campbell, editor de Astounding Science Fiction. Tras terminar la lectura se animo a escribir y enviar un relato para ser publicado, “Vault of the Beast”, que Campbell rechazo, pero Van Voght estaba decidido a ser escritor de ciencia ficcion. La terquedad y perseverancia le darán su primera victioria cuando en 1939 publicaran su relato “El Destructor Negro”, el inicio de la edad dorada de la ciencia ficción, este relato se integraría mas tarde a El Viaje del Beagle Espacial – sí, una oda que rinde homenaje a Darwin, pero con space opera – una obra donde no solo habrá alienígenas, también se dará espacio al científico Elliot Grosvenor para demostrar que su ciencia, el nexialismo, sea aceptada por la comunidad científica como método para resolver los problemas que irán surgiendo en el la nave.

Para sostener económicamente el hogar, trabaja para el Departamento de Defensa mientras invertía las noches en escribir su primera novela, Slan, que sería publicada a finales de 1940 en Astounding. En 1944 se muda, con su mujer, a los Estados Unidos, concretamente a Los Ángeles.

Una apreciación en el género sobre A. E. van Vogt señala que no es un creador de temas, ni un poeta como Bradbury o Sturgeon, ni tiene la intachable formación científica de Arthur C. Clarke o cultural de Isaac Asimov. Su mayor habilidad está en la capacidad de llevar a su perfecta intensidad con toques originales los planteamientos que otros se encargan de trivializar de modo promiscuo e irremediable.

Otro rasgo en sus obras es que poseen una trama argumental atractiva en la que predomina la aventura, el suspense y la intriga. van Vogt tiene el mérito de haber sido el primero en utilizar la técnica del fix-up para escribir sus novelas. Los personajes que pueblan sus novelas están bien perfilados psicológicamente, de carne y hueso y con comportamientos reales en situaciones extremas.

Tras la década de 1950, Van Vogt entró en el movimiento de la dianética, motivo por el cual pasaría los siguientes años sin escribir casi nada. Finalmente, en los años setenta, regresó a escena, escribiendo novelas, pero nunca llegó a alcanzar el éxito antaño obtenido.

Podríamos continuar, pero hay más por leer en estas páginas, así que queridas y queridos ficcionautas les invito a leer mas sobre este escritor y mantener vigente su legado, más allá de las auditorias dianeticas a las que fue expuesto.

EDITOTIAL 136: El sacrificio de un padre convertido en la causa de un exmilitar / The Running Man

En los últimos años la industria del entretenimiento ha explotado la nostalgia por lo retro, en particular por la década de los ochenta del siglo pasado, dulcificada con altas dosis de añoranza por la cultura material de ese periodo: videojuegos, walkmans, casetes, juegos de rol, trash metal y visajes raros. Cuando se analizan esos productos de aquel momento, los productores (escritores, directores y dibujantes) veían un panorama poco prometedor, el futuro se advertía inhóspito a través de la lente distópica, poniendo de manifiesto el poder corporativo y una baja calidad de vida producida por la brecha salarial. Dicho poder estaba relacionado a los medios de comunicación, en especial de la televisión, donde la oferta de programas de concurso detono en una abundancia sin precedentes. Por ejemplo, en Colombia estaban programas como concéntrese (desde 1967), El programa del millón (1987), Adán y Eva (1987), El precio es correcto (1982-1991) y El tiempo es oro (1987-1991); por mencionar los más conocidos. Los participantes, luego de un proceso de convocatoria y selección, eran escogidos para hacer parte de juegos en los que, si todo salía bien, se iban a sus casas con premios e incluso algunos billetes.

El escritor Stephen King, uno de los exponentes más reconocidos de la literatura de terror estadounidense, tenía una marcada postura contra las políticas sociales y económicas implementadas por Ronald Reagan (un actor de westerns que luego sería elegido como presidente justamente en la década de los años 80), motivándolo a escribir una novela de ciencia ficción distópica en el que su protagonista fuera parte de un programa de concurso, no uno cualquiera, donde el objetivo fuese no dejarse atrapar en un periodo de tiempo y obtener lo suficiente para salvar a su familia. La ira acumulada fue descargada en un manuscrito de 256 páginas cargadas de mucha acción, intriga y mucho sufrimiento. El resultado fue The Runing Man (traducida como El Fugitivo) publicado bajo el seudónimo de Richard Bachman en 1982 y llevada al cine en 1987 por Paul Michael Glaser, que contó con la actuación de Arnold Schwarzenegger y la cantante y actriz María Conchita Alonso.

La narración nos transporta a una distopía ambientada en los Estados Unidos del año 2025. Las circunstancias de dicha condición futurista, compuestas con un estilo que destila bellas mezclas entre la ciencia ficción y la novela negra, un perfecto empaque para esta ofrenda literaria. Parte de una idea muy presente a dia de hoy: Ben Richards entregará su vida para salvar la de su hija enferma y la de su mujer. La familia de Richards atraviesa por una situación de pobreza extrema. Ante esto la oportunidad de salir de la situación está en «El Fugitivo», un programa del emporio televisivo Librevisión, con una máxima audiencia en el que la muerte de sus participantes es el principal atractivo, pero los suculentos premios económicos atraen a todo miserable o desesperado. Como diría Wilfrido Vargas: “por la plata baila el mono” La crítica elaborada por King en esta novela a los medios de comunicación, tiene muchísima vigencia hoy día, que en la época en la que escribió la novela y por desgracia tendrá más sentido dentro de diez años. «La cadena», según la nombra el autor, forma parte de la «Librevisión», en la que con un sarcasmo elegante nos muestra el placer que produce el espectáculo televisivo en la población entendida como «masa», de ver morir a otros ciudadanos. Una perfecta ironía del control que ejercen los medios de comunicación, en especial la televisión a la hora de modelar nuestros patrones de conducta y comportamiento creándoles necesidades toxicas. Una muestra del análisis crítico está esgrimido en frases tan políticamente incorrectas como «No se puede matar a los rehenes, si hay espectadores». Una definición perfecta de cómo funciona la sociedad y los mensajes masivos que generan modas, costumbres y consumo absurdo y desenfrenado.

Por otro lado y profundizando en este planteamiento, sí realiza una visión clara de lo que significa y lo que debería significar el periodismo. Emplaza una farsa sobre nuestra sociedad, a día de hoy sometida cómodamente de los medios de comunicación al servicio de la autoridad corporativa, cuando deberían ser el aclamado «Cuarto Poder». Deberían ejercer su labor de control y no trabajar a su favor. Esta reflexión se puede apreciar durante toda la novela y con más claridad, según avanza la historia y la narrativa va alcanzando el clímax. Reflexiones que aumentan el valor de la obra y la alejan de la baja literatura. Este relato promueve las ideas de La Escuela de Frankfurt, que veían la radio y el cine en su momento, como instrumentos ideológicos para mantener la dominación social. Sin mas preámbulos, disfrutemos del espectáculo y veamos como Ben Richards “El Matón de Bakersfield” logra vencer a la televisión.

Editotial 135: el hombre contra la máquina ¿quien ganará?

 

En la crisis de los metarrelatos provocada por el incumplimiento de sus promesas enmarcadas por el postmodernismo, una nueva categorización narrativa emerge de los escombros literarios clásicos para explorar un territorio inhóspito poblado por la incertidumbre y el pesimismo distópico: el hombre contra la tecnología.

Ya sea por demostrar la capacidad de las herramientas de edición digital o por los miedos que se tiene sobre el rápido avance del desarrollo tecnológico, la ciencia ficción actual está centrando su interés en el debate actual sobre la Inteligencia Artificial, resultado de los acelerados avances desde la computación de los años setenta del siglo pasado, y su impacto en nuestras tareas cotidianas y nuestro porvenir.  Esta historia comienza con el científico John McCarthy quien acuño el término Artificial Intelligence en la Conferencia de Dartmouth en 1956. Al año siguiente, 1957, fundaría junto a Marvin Minsky el Laboratorio de Inteligencia Artificial en el Instituto de Tecnología de Michigan o MIT, uno de los primeros pasos fue el Proyecto Mac (Project on Mathematics and Computing) financiado por la Agencia de Defensa Avanzada e Investigación de Proyectos DARPA. Dicho proyecto estaba orientado a lograr un nuevo nivel de interacción humano-computadora. Un objetivo importante del Proyecto MAC fue desarrollar capacidades de tiempo compartido de propósito general, que más tarde influyeron en el diseño de sistemas informáticos para usos comerciales y de defensa. A los pocos años de su inicio, el Proyecto MAC evolucionaría hasta convertirse en la primera comunidad en línea del mundo, completa con tableros de anuncios en línea, correo electrónico, amistades virtuales, un intercambio de software de código abierto y piratas informáticos.

Gareth Edwards, cineasta gales, ha sido reconocido por películas como Godzila (2014) y Rogue One: Una historia de Star Wars (2016); en las cuales plantea una postura sobre la relación entre el hombre y la tecnología. Para 2023 presenta The Creator (traducido como Resistencia), protagonizada por John David Washington (Tenet), que nos transporta al año 2055 en un entorno donde los robots han adquirido un grado de conciencia y las inteligencias artificiales se han integrado a la vida humana, sin embargo, una sospechosa situación que provoca un nuevo conflicto entre Occidente y Oriente: una I.A. detona una ojiva nuclear sobre la ciudad de Los Ángeles.

En respuesta a este ataque y la adopción de las IA en Nueva Asia, el gobierno estadounidense desarrolla la iniciativa NOMAD (North American Mobile Aerospace Defense) lanzando así una guerra contra los asiáticos y la amenaza de Nirmata, el creador, conocida como “el arma”, un dispositivo que puede acabar con NOMAD. El sargento Joshua Taylor, se ha infiltrado en una comunidad de Nueva Asia y ha formado una vida con Maya Fey, la hija de Nirmata-El Creador sin embargo su fachada cae cuando se confronta con un ataque furtivo de las fuerzas estadounidenses, dejando al descubierto su identidad y el éxito de la misión. Joshua, abandona la misión hasta que es reincorporado por las fuerzas militares para encontrar el arma y a Nirmata y evitar la extinción de la humanidad. Esta historia se suma a una buena lista de relatos que transponen el conflicto entre el hombre y la tecnología que comienza con Frankenstein de Mary Shelly.

Sin más preámbulos exploremos este terreno que ha tenido varios acercamientos que, según el momento, plantean una postura frente a este argumento sobre quien lleva la ventaja y quien es finalmente el vencedor de este conflicto.

Una Alegoria Anticomunista en tiempos de aceleracion y realismo capitalista: una revision a Los Invasores de Cuerpos de Philip Kaufman

 

La ciencia ficción es mas que un género, un rotulo, es una caja de herramientas que permite sondear las situaciones experimentadas extrapolándolas en alegorías y metáforas que pasan desapercibidas para quienes aun no abren las frecuencias y siguen inmersos en la condicionada matriz socio cultural programada por el establishment. El escritor estadounidense Jack Finney escribe The Body Snatchers – traducida como “la invasión de los ladrones de cuerpos” o “Los Invasores de Cuerpos” – publicada por entregas desde 1954 en el Magazine Colliers,  luego publicada como novela en 1955, cuyo argumento puede leerse como una alegoría anticomunista o también como una fábula anti macartista, cabe recordar que el senador republicano Joseph McCarty realizo una cruzada anticomunista que desencadeno toda una avalancha de odio hacia quienes opinaban a favor del comunismo o los pensamientos progresistas.

El relato de Finney presenta ese tropo popular de los años cuarenta, el invasor del espacio exterior, pero con un cambio particular: este invasor se mimetiza con la flora terrestre para infiltrarse en los hogares y mientras duermen ingresa en su organismo para clonarlo. Una vez el proceso concluye, la replica sigue una suerte de agenda oculta evidenciada en su repentino cambio de comportamiento. El humano que ha sido replicado sigue un proceso de pulverización hasta convertirse en polvo y desaparecer. Estos clones solo viven cinco años, cuando ya han erradicado la especie nativa siguen su paso a otro planeta. Como bien lo cita el biólogo evolutivo Richard Dawkins, en su popular libro El Gen Egoista, la cultura puede ser modificada por ideas o conductas que se replican viralmente a tal punto que se mimetizan con los huéspedes alterando los patrones y la cultura misma. Por el periodo en el que se publica el relato sin duda aborda el riesgo de ser usurpados por la ideología del bloque oriental y sin darnos cuenta de ello derrocar al mundo libre – perdón, se me salió el tropo de espionaje.

Una de las adaptaciones fílmicas de este relato, dirigida por Philip Kaufman, estrenada en 1978, aborda el mismo argumento, pero a 22 años de distancia de la primera versión de Don Siegel, lo que sin duda ofrece una mirada sobre la permanencia de los espectros del comunismo en la sociedad conservadora. El protagonista Matthew Bernell (interpretado por Donald Sutherland) es un molesto inspector de salubridad que visita restaurantes para verificar las condiciones de higiene en sus cocinas, ganando pocos amigos y malos tratos, sin embargo, la principal cualidad de Bernell es que puede distinguir diferencias en el comportamiento de las personas. Una amiga cercana, Elizabeth Dris, le comenta que su esposo “no es el mismo” a lo que Bernell responde: “bueno tal vez se ha vuelto republicano, gay o tiene una aventura con otra mujer”. Esta frase en contexto es justamente la programación social de la época, donde la diferencia seguía siendo condenada de forma soterrada.  Bernell le pide a Liz que se ponga en manos del famoso psiquiatra David Kibner (interpretado por Leonard “Mr. Spock” Nimoy) para que le ayude con su ataque de ansiedad y paranoia. Lo que sucede a continuación pasara a ser una espiral descendente donde la usurpación comienza a ser más rápida y ya serán pocos los humanos en quienes puedan confiar.

Este número se enfoca justamente en el impacto que puede llegar a tener una idea que se replica rápidamente en la sociedad al punto de alterar la condición de realidad, la cultura y el pensamiento de la misma forma que un virus. Justamente el gran profeta de los ácidos Philip K. Dick había escrito el cuento El Padre Cosa en 1954 y acuso a Finney de usurpador de ideas, pero, como dijo Stanislaw Lem, las ideas son como pulgas que saltan de acá para allá y depende quien se deja morder por alguna. Sin más preámbulos, vayamos al laboratorio y busquemos refugio antes de que los invasores lleguen.

EDITOTIAL 132 Vida es Vida: Laibach y el legado de la musica industrial

 

Cuando en 1997 sonaba en las radios Du Hast de la agrupación Rammstein, la música industrial tomaba nuevos bríos. Este proyecto musical liderado por el ex campeón de natación y actualmente polémico Till Lindemann, unia su poderosa voz de barítono a una armonía cargada de riffs de guitarra y acordes dodecafónicos muy electrónicos. El nombre la banda viene de un pueblo en el que ocurrió un accidente aéreo durante una exhibición aérea, y le agregaron una m mas para diferenciarla. Además de que cantaban en alemán, lo que los destaco aun mas frente a otros como Scorpions, Helloween o Blind Guardian. En alguna entrevista, los integrantes confesaron que su mayor influencia fue un grupo formado en la década de los años ochenta en una ciudad minera de Yugoslavia y que usaba un nombre en alemán: Laibach

Es 1980. Mientras en Norteamérica el pop se apodera de las núbiles mentes juveniles con los poderosos cantos de sirena emitidos por ídolos como Michael Jackson y Madonna, en Yugoslavia todo era carbón y smog. En la ciudad minera de Trbovlje, parte de Yugoslavia en ese momento, se había formado un colectivo denominado Neue Slowenische Kunst (NSK), de ellos surgió un grupo que ayudo a definir la música industrial, su nombre es Laibach. La agrupación tomo el nombre de la designación germana para la capital eslovena Liubliana, usado durante la monarquía de los Habsburgo y la ocupación de Yugoslavia en la segunda guerra mundial.

Desde sus primeros días la apuesta artística de Laibach ha estado llena de controversias y prohibiciones debido al uso paródico de la iconografía y los elementos asociados al totalitarismo el nacionalismo el militarismo europeo de la segunda guerra mundial, un concepto que han conservado a lo largo de su carrera. Censurada y prohibida en la Yugoslavia socialista y recibiendo una especie de estatus de disidente, la agrupación se embarcó en giras a otros países fuera del bloque socialista y gradualmente adquirió fama internacional. Después de que Eslovenia se independizó en 1991, el estatus de Laibach pasó del rechazo a la promoción hasta convertirse en un ícono cultural nacional, que incluyó actuaciones con la orquesta sinfónica eslovena.

Los primeros álbumes de Laibach eran puramente industriales, con ritmos pesados y voces rugientes. Más tarde, a mediados de la década de 1980, el sonido se volvió más prolífico en capas, con muestras de música pop y clásica. Las letras de la banda, escritas en alemán, esloveno e inglés, suelen ser interpretadas por la voz del cantante Milan Fras. Inicialmente, las letras manejaban temas militares y de guerra; luego, el foco se volcó a cualquier tema político de alta carga del momento, enviando mensajes intencionalmente ambiguos. Grabaron varias versiones de canciones populares, a menudo convirtiendo melodías ligeras en melodías góticas de sonido siniestro como Life is Life del grupo OPUS y One Visión de Queen, ambos tracks extraídos del disco OPUS DEI de 1987. Como parte de un ciclo enfocado en los orígenes de la música industrial y la manera en que cuestiona la propaganda política, este grupo merece una revisión que ayuda a comprender como su influencia ha llegado a las nuevas agrupaciones del sonido industrial. Con ustedes Laibach, pónganse cómodos, conecten sus auriculares y suban el volumen para gozar de este tour Musical.

MAD MEN (Matthew Weiner, 2007-2015)

 

En la década de los años sesenta del siglo XX, deseos y necesidades habitaban en lo mas profundo del inconsciente de cada persona que deambulaba por las atestadas calles de Nueva York, anhelando aquello que no puede tener, preso de la frustración y la esquizofrenia de una ciudad insomne, la epitome del capitalismo, y para encajar en ella se requería de mucha gallardía para cumplir los altos estándares de supervivencia en la gran manzana. Matthew Weiner – escritor y productor de la 5ta y 6ta temporada de Los Soprano – desarrolla un drama maravillosamente ejecutado en siete temporadas - 92 capítulos en total - que parte de una simple premisa: ¿Qué pasaría si un hombre asume la identidad de otro por un error y como intenta escapar de esa vida real cuyas sombras lo atormentan? Una pregunta que nos llevara a conocer a Donald Draper, el director creativo de la agencia Sterling Cooper, una de las importantes agencias publicitarias de la avenida Madison.

MAD MEN se estrena en el canal AMC el 19 de julio de 2007 y finaliza el 17 de mayo de 2015. La acción transcurre en la agitada y cambiante década de 1960, situándose específicamente en la ficticia agencia publicitaria Sterling Cooper, ubicada en la famosa;ciudad que nunca duerme. Esta agencia pasara por procesos de cambio convirtiéndose en Sterling Cooper Draper Pryce y luego Sterling Cooper Partners; cosas de la supervivencia mercantil. El nombre de la serie es explicado en el episodio piloto, este procede del término;mad men, acuñado en la década de 1950 por los publicistas que trabajaban en Madison Avenue para referirse a sí mismos. La médula de la serie esDonald Draper(Jon Hamm), director creativo de Sterling Cooper y posteriormente fundador de Sterling Cooper Draper Pryce; un atractivo y talentoso creativo, casado con una bella mujer y con unos bellos hijos – sí, el mejor prospecto del sueño americano – que no duda en seguir su instinto varonil para seducir a cuanta belleza se le atraviesa. Don, como la mayoría lo llama, se presenta también como un enigma que se ira desentrañando con el paso de los capítulos, en especial como le impacta la gente que gira alrededor de su vida, tanto dentro como fuera de la oficina.Para Weiner la industria publicitaria es la excusa perfecta para exponer la cara oculta del deseo y el impulso consumista y en la vida privada de los personajes, describiendo las costumbres sociales de los Estados Unidos en un marco temporal agitado por los cambios y eventos sociopolíticos como la crisis de los misiles, la lucha por los derechos civiles, la muerte de Kennedy y la llegada del hombre a la luna; por mencionar los mas impactantes. Otros temas que aborda la serie son el adulterio y el sexismo, expuesto en los patrones que imponía la sociedad y como los hombres tenían permitido sus encuentros fortuitos para satisfacer sus necesidades primordiales. El tratamiento dado a los personajes femeninos es contundente en la medida que permite comprender como era vista y las dificultades para lograr ascender en un ambiente dominado por hombres. 

Mad Men integra las historias de personajes que luchan por alcanzar la liberación personal en los años agitados antes del advenimiento de las guerras culturales en toda regla. en la cuarta temporada trajo, a través de Peggy, la introducción de la contracultura (Andy Warhol como el Rey del Pop y Líder de la Banda), el impacto del rock británico con los Beatles, los porros que circulaban, las películas underground tan presentes en esos tiempos. La visita de Peggy a un loft, con una "amiga" editora de fotografía en la revista, la colocó de lleno en el centro de la emocionante creatividad tan extendida en lo clandestino, y también tan rebelde contra lo mainstream. Otra escena interesante de esa misma temporada nos lleva a Peggy, quien se une a sus nuevos amigos beatnik en el vestíbulo mientras Pete se queda atrás con los socios de SCDP para disfrutar de su cuenta de $6 millones recién capturada. A medida que se embarcan en sus trayectorias opuestas, la cámara se detiene en sus miradas de complicidad. Aquí es donde encontramos la verdad emocional.

Sin duda la columna vertebral de la serie es la identidad, visto de manera más significativa a través del fraude cometido por Don Draper durante la Guerra de Corea en el que asumió la identidad de otro soldado para no ir a la guerra. Don Draper es un hombre que ha estado viviendo una mentira durante mucho tiempo. Está diseñado para ser un solitario. Y a lo largo de tres temporadas lo hemos mirado llevar esta angustia existencial a través de una vida de cuento de hadas creada por él. ​ Para mantener esa identidad debe pagar un alto precio: sacrificar la relación con su hermano, quien termina suicidándose, y ocultar su primer matrimonio, pero el pasado se las arregla para recordar su deuda.